絵画の要素

の要素絵画絵画の基本的なコンポーネントまたは構成要素です。西洋美術では、一般に色、色調、線、形、空間、質感と考えられています。

一般に、私たちは芸術には 7 つの形式的な要素があることに同意する傾向があります。しかし、二次元の媒体では形式が省略されるため、実際には絵画の基本的な要素が 6 つあります。また、構図、方向、サイズ、時間 (または動き) という 4 つの追加要素を方程式に取り入れて、絵画の要素を偶数 10 で四捨五入することもできます。

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  色

  

  色 (または色合い) はあらゆる絵画の中心です。これは、視聴者が作品についてどのように感じるかのトーンを決定するため、おそらく最も重要な要素です。たとえば、暖かくて魅力的な場合もあれば、冷たく殺伐とした場合もあります。いずれにせよ、色は作品の雰囲気を決めることができます。

  画家が色で遊ぶ方法は無限にあります。アーティストは、作品全体のスタイルを定義する特定のパレットに惹かれることがよくあります。

  色彩理論これは、特に画家にとって、色を扱うための鍵の 1 つです。キャンバスに導入する新しい色はそれぞれ、鑑賞者が作品に対して抱く認識において重要な役割を果たします。

  色はさらに色相、強度、値に分類できます。また、多くのアーティストは絵を描くときに母色を使用することを選択します。これは、キャンバスに触れる各絵の具に混ぜられる特定の絵の具の色合いであり、均一性をもたらすことができます。
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  トーン

  

  ペイントでは、トーンと値は同じ意味で使用されます。本質的には、色を剥がしたときに絵の具がどれだけ明るいか暗いかということです。その使用方法を理解することは、あなたのアートがどのように認識されるかに大きな影響を与える可能性があります。

  どのペイントの色にも、ほぼ無限に近いさまざまな色調が用意されています。メディウムやニュートラルペイントと混ぜて、お好みの色合いに調整できます。トーンの範囲が非常に限られている絵画もあれば、トーンのコントラストがはっきりしている絵画もあります。

  最も基本的なところでは、トーンはグレースケールで最もよくわかります: 黒が最も暗い値、白が最も明るい値です。バランスの取れた絵画にはこれらの両方が含まれていることが多く、ハイライトとシャドウが作品全体の効果を高めます。
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  ライン

  

  私たちは絵を描くときに線を意識しがちですが、画家も線を意識する必要があります。結局のところ、ブラシストロークごとに線が作成されます。

  線は、ブラシによって作成される細いマーク、または 2 つのオブジェクトまたは要素が交わる場所に作成される線として定義されます。それは絵画の主題を定義し、動きなどを暗示するのに役立ちます。

  画家はさまざまな種類の線についても認識しておく必要があります。その中には、暗黙のセリフ、描かれていないが、代わりに周囲のブラシストロークによって暗示されているもの。

  特に風景画家は地平線に関心を持つことがよくあります。あらゆるスタイルの画家は、図面に見られる直交線と横線を使用することで、作品に立体感を加えることができます。
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  形

  

  どの作品にも、線と空間を結びつける形の要素が含まれています。本質的に、形状は線が交わるときに作られる閉じた領域です。その形が（彫刻やミクストメディアのように）三次元になると、私たちにも形が生まれます。

  アーティストは、あらゆるものの形を観察できるように訓練することがよくあります。被写体の基本的な形状を分解することで、絵画や図面で被写体を正確に表現します。

  さらに、形状は幾何学的なものであっても有機的なものであってもよい。前者は、私たちがよく知っている三角形、四角形、円です。後者は、明確に定義されていない形状、または自然界に見られる形状です。
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  空間

  

  空間 (または体積) はあらゆる芸術においてもう 1 つの重要な要素であり、絵画では大きな効果を発揮します。アートにおける空間について話すとき、私たちはポジティブな空間とネガティブな空間のバランスについて考えます。

  ポジティブスペースは主題そのものであり、ネガティブスペースはその周囲の絵画の領域です。アーティストは、これら 2 つの空間のバランスを調整して、視聴者が自分の作品をどのように解釈するかにさらに影響を与えることができます。

  たとえば、小さな木と地平線 (ポジティブな空間) があり、空 (ネガティブな空間) がキャンバスの大部分を占める風景は、非常に強力なステートメントを生み出すことができます。同様に、被写体（ポジティブ）がネガティブな空間の方向を向いているポートレートを描くことは、見る人をまっすぐに見ていたときと同じくらい興味深いものになる可能性があります。
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  テクスチャ

  

  絵画はテクスチャをいじるのにも最適な媒体です。これは、絵画内のパターンまたはブラシストローク自体として解釈できます。

  一部の絵の具、特に油絵の具は粘度が高く、キャンバスやボードにどのように塗布されるかによって、質感が作品に深みを与えることができます。たとえば、ゴッホの絵から色を取り除いて白黒で見ると、ゴッホの筆運びの質感が劇的に際立ちます。同様に、厚塗り絵画は非常に深いテクスチャーに依存しています。

  テクスチャは画家にとっても課題となることがあります。ガラスや金属の光沢のある表面や、岩のザラザラした質感を再現するのは難しい場合があります。このようなオブジェクトでは、画家が芸術の他の要素、特に線、色、トーンに頼って質感をさらに定義できます。
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  構成

  

  上記の要素は絵画に不可欠ですが、さらに 4 つの要素をリストに追加することもよくあります。アーティストにとって最も重要なことの 1 つは作曲です。

  構成絵の配置です。被写体をどこに配置するか、背景要素がそれをどのようにサポートするか、キャンバスに追加するすべての小さな部分が構図の一部になります。作品がどのように認識されるかは非常に重要です。

  考慮すべき「構成要素」もあります。これらには、統一性、バランス、動き、リズム、焦点、コントラスト、パターン、比率が含まれます。それぞれがすべての絵画において重要な役割を果たしているため、アーティストは構図に多くの時間を集中します。
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  方向

  

  アートにおいて、「方向性」という言葉は幅広い意味であり、さまざまな方法で解釈できます。たとえば、絵画の形式はその方向性の一部であると考えることができます。特定の主題では、垂直キャンバスの方が水平キャンバスよりも効果的である場合があり、その逆も同様です。

  方向は次の目的にも使用できます。視点を参照。オブジェクトをどこに配置するか、他のオブジェクトとの比率を考慮してどのように使用されるかによって、アートを通して見る人を導くことができます。この意味では、動きにも関係しており、媒体を問わず、方向性はデザインの重要な側面です。

  画家は絵の中の光の方向も気にします。絵画のすべての要素に同じ方向から光が当たる必要があります。そうしないと、見る人が混乱してしまいます。彼らは気づいていないかもしれませんが、ハイライトとシャドウが絵の一方の側からもう一方の側に変わると、何かが邪魔になります。
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  サイズ

  

  「サイズ」とは、絵画自体のスケールと、絵画の要素内の比率のスケールを指します。

  オブジェクト間の関係も、知らず知らずのうちに視聴者の認識や楽しみを混乱させる可能性があります。たとえば、象より大きいリンゴは自然のものではありません。あまり劇的ではありませんが、私たちは誰かの目、唇、鼻の大きさのバランスが特別であることを期待しています。

  芸術作品のサイズを決定する際、画家も考慮すべきことがたくさんあります。特大の絵画も、非常に小さな作品と同じくらいドラマチックになる可能性があり、どちらにも課題があります。さらに、アーティストは、予定している購入者にどのような余地があるかを考慮する必要があります。

  あらゆるアーティストにとって、さまざまなレベルでサイズは最大の考慮事項の 1 つです。
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  時間と動き

  

  他のすべての要素は、鑑賞者が絵画をどのように認識し、見るかに影響を与えます。ここで時間と動きが重要になります。

  時間は、視聴者が作品を見るのに費やす時間として見ることができます。彼らの注目を集め続けるさまざまな要素はありますか？人々が足を止めてあなたのアートの前を通り過ぎないようにするほど、十分に興味をそそられるでしょうか?確かに、これは多くのアーティストにとって懸念される要素の 1 つです。

  動きも構成要素の 1 つですが、そのグループ化においてその重要性を無視してはなりません。これは、絵画内で鑑賞者の目をどのように向けるかを指します。戦略的な場所にさまざまな要素を含めたり、芸術の他の要素を組み込んだりすることで、鑑賞者を絵画の中を動き回らせることができます。これにより、ユーザーがそれを見るのに費やす時間が増加します。