絵画の要素

の要素ペインティング絵画の基本的な構成要素または構成要素です。西洋美術では、一般的に色、色調、線、形、空間、質感と考えられています。

一般的に、アートには 7 つの形式的要素があることに同意する傾向があります。しかし、二次元の媒体では形が落とされるので、絵画の基本要素は実に6つあります。また、構図、方向、サイズ、時間 (または動き) の 4 つの追加要素を方程式に取り入れて、絵画の 10 要素で締めくくることができます。

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  色

  

  色 (または色相) はすべての絵画の核心です。視聴者が作品についてどのように感じるかのトーンを設定するため、これは間違いなく最も重要な要素です。たとえば、それは暖かく魅力的なものでも、寒くて厳しいものでもかまいません。いずれにせよ、色は作品の雰囲気を決めることができます。

  画家が色で遊ぶ方法は無限にあります。多くの場合、アーティストは、作品全体のスタイルを定義する傾向がある特定のパレットに引き寄せられることがあります。

  色彩理論特に画家にとって、色を扱うための鍵の 1 つです。キャンバスに新しい色を導入するたびに、見る人がその作品を認識する上で重要な役割を果たします。

  色は、色相、明度、明度にさらに分類できます。また、多くのアーティストは、絵を描くときにマザー カラーを使用することを選択します。これは、キャンバスに触れる各絵の具に混合される特定の絵の具の色合いであり、均一性をもたらすことができます。
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  調子

  

  トーンと値は、絵画では同じ意味で使用されます。本質的には、色を取り除いたときの塗料の明るさまたは暗さです。それをどのように使用するかを理解することは、あなたの芸術が知覚される方法に大きな影響を与える可能性があります.

  塗料のすべての色には、ほぼ無限の種類のトーンがあります。メディウムやニュートラル ペイントと混ぜて、好きなようにトーンを調整できます。色調の範囲が非常に限られている絵画もあれば、色調のコントラストがはっきりしている絵画もあります。

  その最も基本的なところで、トーンはグレースケールで最もよく見られます: 黒が最も暗い値で、白が最も明るい値です。バランスの取れた絵画には、多くの場合、これらの両方があり、ハイライトとシャドウが作品の全体的な効果に追加されます.
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  ライン

  

  絵を描くときに線を意識しがちですが、画家は線にも注意を払わなければなりません。結局のところ、ブラシストロークごとに線が作成されます。

  線は、ブラシによって作成される狭いマーク、または 2 つのオブジェクトまたは要素が交わる場所に作成される線として定義されます。絵画の主題を定義し、動きなどを暗示するのに役立ちます。

  画家は、さまざまな種類の線にも注意する必要があります。これらの中には、暗示線、描画されていないが、代わりにその周りのブラシストロークによって暗示されているもの.

  特に風景画家は、しばしば水平線に関心を持っています。すべてのスタイルの画家は、図面に見られる直交線と横線を使用することで、作品に次元を加えることができます。
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  形

  

  すべての作品には、線と空間を結び付ける形の要素が含まれています。本質的に、形状は、線が交わったときに作られる囲まれた領域です。その形が 3 次元になると (彫刻や混合メディアのように)、形もできます。

  芸術家はしばしば、すべての形を見るために自分自身を訓練します。対象の基本的な形を分解することで、絵画やドローイングで正確に表現します。

  さらに、形状は幾何学的または有機的のいずれかです。前者は、私たちがよく知っている三角形、四角形、円です。後者は、明確に定義されていない形状、または自然界に見られる形状です。
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  スペース

  

  スペース (またはボリューム) は、あらゆる芸術においてもう 1 つの重要な要素であり、絵画で大きな効果を発揮するために使用できます。アートにおける空間について語るとき、ポジティブな空間とネガティブな空間のバランスを考えます。

  ポジティブ スペースは主題自体であり、ネガティブ スペースはその周囲の絵画の領域です。アーティストは、これら 2 つの空間のバランスを調整して、視聴者が自分の作品をどのように解釈するかにさらに影響を与えることができます。

  たとえば、空 (ネガティブ スペース) がキャンバスの大部分を占めることを可能にする小さな木と地平線 (ポジティブ スペース) のある風景は、非常に強力なステートメントを作成できます。同様に、被写体 (ポジティブ) がネガティブ スペースの方向を向いている肖像画を描くことは、見る人をまっすぐに見ているときと同じくらい興味深いものになる可能性があります。
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  テクスチャ

  

  絵画は、テクスチャーを扱うのにも最適な媒体です。これは、絵の中のパターンまたはブラシストローク自体として解釈できます。

  一部の絵の具、特に油絵の具はより厚く、キャンバスやボードにどのように適用されるかによって、テクスチャーにより作品に深みが与えられます。たとえば、ヴァン ゴッホの絵から色を抜き取って白黒で見ると、彼のブラシ ストロークの質感が劇的に際立ちます。同様に、インパスト ペインティングは非常に深いテクスチャに依存しています。

  テクスチャもペインターの課題です。ガラスや金属の光沢のある表面や岩のざらざらした感触を再現するのは難しい場合があります。画家がアートの他の要素、特に線、色、トーンに依存してテクスチャをさらに定義できるのは、このようなオブジェクトです。
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  構成

  

  上記の要素は絵画に不可欠ですが、多くの場合、さらに 4 つの要素をリストに追加します。アーティストにとって最も重要なことの 1 つは作曲です。

  構成絵のアレンジです。被写体を配置する場所、背景要素がそれをどのようにサポートするか、キャンバスに追加するすべての小さなピースが構図の一部になります。作品がどのように認識されるかが重要です。

  考慮すべき「構成要素」もあります。これらには、統一、バランス、動き、リズム、フォーカス、コントラスト、パターン、およびプロポーションが含まれます。それぞれがすべての絵画で重要な役割を果たしているため、アーティストは構図に多くの時間を費やしています。
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  方向

  

  アートでは、「方向性」という言葉は、さまざまな方法で解釈できる幅広い用語です。たとえば、絵画の形式はその方向性の一部であると考えることができます。垂直のキャンバスは、特定の主題では水平のキャンバスよりもうまく機能する場合があり、その逆も同様です。

  方向は次の目的にも使用できます。視点を参照.オブジェクトをどこに配置するか、または他のオブジェクトとの比率でどのように使用するかによって、アートを通して視聴者を導くことができます。そういう意味では動きにも関係していて、どんな媒体でも方向性はデザインの重要な側面です。

  画家は、絵画の光の方向にも関心を持っています。絵画のすべての要素には、同じ方向から光が当たる必要があります。そうしないと、見る人が混乱してしまいます。彼らはそれに気付いていないかもしれませんが、ハイライトとシャドウが絵の片側から別の側に変わると、何かが邪魔になります.
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  サイズ

  

  「サイズ」とは、絵画自体の縮尺と、絵画の要素内の比率の縮尺を指します。

  オブジェクト間の関係は、無意識のうちに視聴者の認識と楽しみを混乱させる可能性もあります。たとえば、象よりも大きなリンゴは自然のものではありません。それほど劇的ではありませんが、私たちは誰かの目、唇、鼻の大きさが特定のバランスを持っていることを期待しています.

  芸術作品のサイズを決定する際には、画家も考慮すべきことがたくさんあります。特大の絵画は、非常に小さな作品と同じくらい劇的である可能性があり、どちらにも課題があります.さらに、アーティストは、意図した購入者が何を受け入れる余地があるかを検討する必要があります。

  多くのレベルで、サイズはアーティストにとって最大の考慮事項の 1 つです。
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  時間と動き

  

  他のすべての要素は、鑑賞者が絵画をどのように認識し、見るかに影響を与えます。ここで、時間と動きが作用します。

  時間は、視聴者が作品を見るのに費やす時間と見なすことができます。彼らの注目を集め続けているさまざまな要素はありますか？彼らが立ち止まり、あなたのアートの前を通り過ぎないようにするのに十分なほど興味をそそられますか?確かに、これは多くのアーティストに関係する要素の 1 つです。

  動きも構成の要素の 1 つですが、その重要性はそのグループ化で見落とされるべきではありません。これは、絵画内で視聴者の目をどのように向けるかを指します。さまざまな要素を戦略的な場所に配置し、芸術の他の要素を組み込むことで、見る人を絵の周りに動かし続けることができます.これにより、彼らがそれを見るのに費やす時間が増えます。